Presentasjon "Aivazovsky-havet brennende poet". Presentasjon om temaet Aivazovsky - "Fiery poet of the sea" Ugjenkjennelig Aivazovsky: ikke bare havlandskap

lysbilde 1

Beskrivelse av lysbildet:

lysbilde 2

Beskrivelse av lysbildet:

lysbilde 3

Beskrivelse av lysbildet:

lysbilde 4

Beskrivelse av lysbildet:

lysbilde 5

Beskrivelse av lysbildet:

lysbilde 6

Beskrivelse av lysbildet:

Sammen med I. Repin i 1877 skapte Aivazovsky det berømte maleriet «Pushkins farvel til havet. Nøyaktig ti år senere, i året for femtiårsjubileet for A. S. Pushkins død, malte Aivazovsky i 1887 maleriet "Pushkin på Svartehavet." Og den tredje appellen til temaet "Pushkin and the Sea" finner sted hos Aivazovsky, nøyaktig ti år senere (tre år før hans død) i 1897. Han kaller bildet det samme – «Pushkin på Svartehavet». Hun har også et andrenavn - "Farvel, gratis element ...". Pushkins kvad er skrevet direkte på lerretet. Er det ikke symbolsk å skrive «Farvel» til det frie elementet tre år før døden. Kunstneren tok liksom selv farvel med havet! I skikkelse av en dikter på bildet tegner Aivazovsky utvilsomt sine ungdommelige trekk. Sammen med I. Repin i 1877 skapte Aivazovsky det berømte maleriet «Pushkins farvel til havet. Nøyaktig ti år senere, i året for femtiårsjubileet for A. S. Pushkins død, malte Aivazovsky i 1887 maleriet "Pushkin på Svartehavet." Og den tredje appellen til temaet "Pushkin and the Sea" finner sted hos Aivazovsky, nøyaktig ti år senere (tre år før hans død) i 1897. Han kaller bildet det samme – «Pushkin på Svartehavet». Hun har også et andrenavn - "Farvel, gratis element ...". Pushkins kvad er skrevet direkte på lerretet. Er det ikke symbolsk å skrive «Farvel» til det frie elementet tre år før døden. Kunstneren tok liksom selv farvel med havet! I skikkelse av en dikter på bildet tegner Aivazovsky utvilsomt sine ungdommelige trekk.

Lysbilde 7

Beskrivelse av lysbildet:

Lysbilde 8

Beskrivelse av lysbildet:

Lysbilde 9

Beskrivelse av lysbildet:

Lysbilde 10

Beskrivelse av lysbildet:

Natthavnene til Aivazovsky er unike. "Moonlit night on the sea", "Moonrise" - dette temaet går gjennom hele Aivazovskys verk. Effektene av måneskinn, månen selv, omgitt av lette gjennomsiktige skyer eller kikket gjennom skyer revet av vinden, var han i stand til å skildre med illusorisk nøyaktighet. Bildene av nattnaturen til Aivazovsky er et av de mest poetiske naturbildene i maleriet. Ofte vekker de poetiske og musikalske assosiasjoner. Natthavnene til Aivazovsky er unike. "Moonlit night on the sea", "Moonrise" - dette temaet går gjennom hele Aivazovskys verk. Effektene av måneskinn, månen selv, omgitt av lette gjennomsiktige skyer eller kikket gjennom skyer revet av vinden, var han i stand til å skildre med illusorisk nøyaktighet. Bildene av nattnaturen til Aivazovsky er et av de mest poetiske naturbildene i maleriet. Ofte vekker de poetiske og musikalske assosiasjoner.

lysbilde 11

Beskrivelse av lysbildet:

lysbilde 1

Beskrivelse av lysbildet:

lysbilde 2

Beskrivelse av lysbildet:

lysbilde 3

Beskrivelse av lysbildet:

lysbilde 4

Beskrivelse av lysbildet:

lysbilde 5

Beskrivelse av lysbildet:

lysbilde 6

Beskrivelse av lysbildet:

Lysbilde 7

Beskrivelse av lysbildet:

Lysbilde 8

Beskrivelse av lysbildet:

Lysbilde 9

Beskrivelse av lysbildet:

Lysbilde 10

Beskrivelse av lysbildet:

lysbilde 11

Beskrivelse av lysbildet:

Materialet inneholder informasjon om den verdensberømte russiske marinemaleren, kampmaleren, samleren, filantropen Ivan Konstantinovich Aivazovsky, om hans strålende talent. Det fortelles om kunstnerens liv og kreative vei. Egenskapene og analysen av de mest kjente verkene til Aivazovsky er gitt, trekkene til Ivan Konstantinovichs arbeid avsløres. Skapelseshistorien, den figurative strukturen og komposisjonen til maleriet "Den niende bølgen" vurderes. Dette materialet kan brukes i leksjonene i kunst når du studerer emnet "Landskapsmaling", i leksjonene til Moskva kunstteater og historie når du studerer kulturen på 1800-tallet. Materiale om livet og arbeidet til I.K. Aivazovsky

Aivazovsky-havet brennende sanger.docx

Bilder

Introduksjonssamler, filantrop2, kampmaler1, Ivan Konstantinovich Aivazovsky - den verdensberømte russiske mest kjente marinemaleren, en fremragende armensk kunstner på 1800-tallet Havet har alltid hatt en stor attraksjon for kunstnere. Det er ikke en eneste russisk maler som, etter å ha vært ved sjøen, ikke ville prøve å skildre det. For noen var dette episodiske skisser, ikke knyttet til hovedforløpet for utviklingen av kunsten deres, mens andre kom tilbake til dette emnet fra tid til annen, og viet en betydelig plass til bildet av havet i maleriene sine. Blant kunstnerne på den russiske skolen var det bare Ivan Konstantinovich Aivazovsky som viet hele sitt talent til marint maleri. Av natur var han utstyrt med et strålende talent, som utviklet seg raskt på grunn av heldige omstendigheter og takket være miljøet der barndommen og ungdommen hans gikk. Han viet sitt strålende talent til marin maleri, og skapte uforglemmelige poetiske bilder av havet i dets mest forskjellige manifestasjoner. Den dypt meningsfulle og humanistiske kunsten til Aivazovsky satte ham på nivå med de beste mestere innen realistisk kunst på 1800-tallet. Aivazovsky overlevde to generasjoner med kunstnere, og kunsten hans dekker en enorm tidsperiode - seksti år med kreativitet. Fra og med verk mettet med levende romantiske bilder, kom Aivazovsky til et gjennomtrengende, dypt realistisk og heroisk bilde av sjøelementet, og skapte maleriet "Blant bølgene". Helt til siste dag beholdt han lykkelig ikke bare en utydelig årvåkenhet for øyet, men også en dyp tro på kunsten sin. Han gikk sin vei uten den minste nøling og tvil, og beholdt klarheten i følelser og tenkning til alderdommen. Aivazovskys arbeid var dypt patriotisk. Hans meritter innen kunst ble notert over hele verden. Han ble valgt til medlem av fem kunstakademier, og hans admiralitetsuniform var besatt med æresordrer fra mange land. Kunsten til I. K. Aivazovsky etterlater ingen likegyldig. Mange av hans samtidige satte stor pris på arbeidet hans, og kunstneren I.N. Kramskoy skrev: "... Aivazovsky, uansett hva noen sier, er en stjerne av første størrelse, i alle fall, og ikke bare hos oss, men i kunsthistorien generelt ..." Og i vår tid, interessen for kunstnerens verk avtar ikke. Hans lerreter selges stadig på forskjellige auksjoner (for eksempel i 2008 på auksjon 1Batalist, en kampmaler - en maler som lager verk av kampsjangeren, det vil si scener med land- og sjøslag, militære kampanjer og militærliv. 2Patron - en rik beskytter av vitenskaper og kunst. 3

"Sotheby's" to malerier av Aivazovsky, "Distribution of food" og "Ship of aid", ble solgt for 2,4 millioner dollar) Formålet med arbeidet: I.K. I.K. Aivazovsky; 2. å karakterisere de mest betydningsfulle maleriene til kunstneren; 3. Analyser lerretene til Aivazovsky, identifiser egenskapene til kreativitet 4. Vurder skapelseshistorien, figurativ struktur og sammensetning av kunstneren av maleriet "Den niende bølgen" I arbeidet med essayet brukte jeg følgende kilder: 1. Dolgopolov I. Mestere og mesterverk 2. Popular Art Encyclopedia 3. Ionina N.I. "One Hundred Great Paintings" 4. Magasin "Masterpieces of Russian Painting" nr. 2 (dedikert til arbeidet til Aivazovsky) 5. Internett-ressurser 4

1. Liv og æra Ivan Aivazovsky ble født 17. juli (30) 1817 i Feodosia i en armensk familie. Hans forfedre, tilbake på 1700-tallet, på flukt fra folkemordet som ble utløst av tyrkerne, flyktet fra Vest-Armenia til Polen. Kunstnerens far, Konstantin (Gevorg) Gaivazovsky, på begynnelsen av 1800-tallet. flyttet fra Galicia til Krim. På et tidspunkt handlet han ganske vellykket, men pestepidemien som brøt ut i 1812 i Feodosia ødela ham - etter det falt familien i fattigdom, og K. Gaivazovsky måtte skaffe penger til livets opphold i Feodosiya-basaren, og fungerte som markedssjef . I boken om fødsler og dåp til den feodosiske armenske kirken ble den fremtidige artisten registrert som "Hovhannes, sønn av Georg Ayvazyan." Han begynte å signere verkene sine med sitt vanlige etternavn først i 1840. Gutten vokste opp frisk og intelligent - han var glad i å tegne fra en tidlig alder. Oniks liv, som ikke var forskjellig fra livet til bygutter, endret seg da tegningene hans ble sett av Feodosia-ordføreren A.I. Kaznacheev, en mann med stor kultur, en god venn av A.S. Pushkin under dikterens sørlige eksil. Det var takket være innsatsen til Kaznacheev, som snart ble guvernør i Tauride-provinsen, at Aivazovsky først havnet i Simferopol gymnasium (i 1830), og deretter i St. Petersburg Academy of Arts (i 1833). landskapsmaler M. Vorobyov. Snart vakte Aivazovsky oppmerksomheten til K. Bryullov. Det er i arbeidet til Bryullov man bør lete etter opprinnelsen til Aivazovskys romantikk. Snart blir han nær Bryullov, Glinka og Kukolnik. Omgjengelig, vittig, kjekk Aivazovsky konvergerte raskt med mennesker - blant hans bekjente vil vi finne A.S. Pushkin, I. Krylov og andre lysere fra den daværende nasjonale kulturen. Hans akademiske suksess var ubestridelig. Han begynte å male havet allerede på akademiet - hans første priser var knyttet til sjøstudier. I 1838 ble Aivazovsky, som ble tildelt den store gullmedaljen, sendt til Krim i to år for å jobbe uavhengig. I 1839 inviterte general N.N. Raevsky kunstneren til å delta i landingsoperasjonene til V. Zhukovsky og mange andre.

Svartehavsflåten utenfor den kaukasiske kysten. Aivazovsky seilte tre ganger - kampmaleriet hans ble født i det og vennskap begynte med M. Lazorev, V. Kornilov, P. Nakhimov, de fremtidige berømte admiralene. Med dem opprettholdt han vennlige forhold gjennom hele livet. Motet og motet Aivazovsky viste i en kampsituasjon under landingen i Subash vekket sympati for kunstneren blant sjømennene og en tilsvarende respons i St. Petersburg. Denne operasjonen er fanget av ham i maleriet "Landing in Subashi". I 1840 dro Aivazovsky på en pensjonists forretningsreise til utlandet "for ytterligere forbedring av kunsten." På den tiden var han allerede en etablert sjølandskapsmester. Suksessen til Aivazovsky i Italia og den europeiske berømmelsen som fulgte ham under en forretningsreise brakte romantiske sjølandskap "Storm", "Chaos", "Neapolitan Night" og andre. Denne suksessen ble oppfattet hjemme som en velfortjent hyllest til kunstnerens talent og dyktighet. Hans italienske år er en rekke suksesser som setter kunstneren frem i forkant av europeisk maleri. I Italia ble Aivazovsky venn med V. Gogol. I 1843, etter at Aivazovsky ble tildelt gullmedaljen fra det franske akademiet, fortalte O. Vernet ham: "Ditt talent glorifiserer ditt fedreland" - med disse ordene, som nøyaktig angir betydningen av malerens "europeiske" aktivitet. I 1857 var Aivazovsky kanskje den første blant utenlandske kunstnere som ble Chevalier av den franske Æreslegionens orden. Siden 1844 har Aivazovsky vært i Russland. Umiddelbart etter hjemkomsten ble han tildelt tittelen akademiker, som ble tildelt hovedsjøforsvarsstaben med rett til å bære admiralitetsuniformen. Han fikk en "omfattende og kompleks ordre" - å male alle russiske militærhavner ved Østersjøen . Men livet i Petersburg falt ikke i smak hos kunstneren. «Et lite pust om våren trekker meg til Krim, til Svartehavet.» Allerede neste år kjøpte han en tomt i Feodosia og begynte å bygge et hus der med et stort verksted. Snart, til St. Petersburg-publikums overraskelse, forlot Aivazovsky hovedstaden og flyttet til Feodosia, til tross for suksess, anerkjennelse og tallrike ordre, ønsket fra den keiserlige familien om å gjøre ham til hoffmaler. Aivazovskys maleri fra førti- og femtitallet var preget av en sterk innflytelse fra de romantiske tradisjonene til K.P. Bryullov, som påvirket ikke bare ferdigheten til å male, men også selve forståelsen av kunst og verdensbildet til Aivazovsky. I likhet med Bryullov streber han etter å lage grandiose fargerike lerreter som kan glorifisere russisk kunst. Med Bryullov er Aivazovsky beslektet med briljante maleferdigheter, virtuos teknikk, hurtighet og mot til å prestere. Dette ble veldig tydelig reflektert i et av de tidlige kampmaleriene "Chesme Battle", skrevet av ham i 1848, dedikert til et enestående sjøslag. Støyende prat ble forårsaket i St. Petersburg-stuene og ekteskapet til Aivazovsky. Etter å ha forelsket seg lidenskapelig i den engelske kvinnen Yulia Grevs, datteren til en St. Petersburg-lege som fungerte som guvernante, "om to uker", 6

med egne ord avgjorde han saken, selv om han - med sin berømmelse, velstand og spektakulære fremtoning - godt kunne ha valgt en jente av edel fødsel til kone. Fire døtre ble født i dette ekteskapet. Til å begynne med var familielivet ganske velstående - Yulia Yakovlevna, som det så ut, delte ektemannens synspunkter og deltok til og med aktivt i arkeologiske utgravninger nær Feodosia, utført av Aivazovsky i 1853. I mellomtiden sprakk familien snart. Aivazovskys kone kjedet seg raskt i provinsene, og etter å ha bodd med kunstneren i 11 år, forlot han ham til Odessa - deres videre forhold var veldig vanskelig: Yulia Yakovlevna klaget over Aivazovsky til tsaren og forhindret ham på alle mulige måter i å kommunisere med hans døtre. I de synkende årene smilte familielykken likevel til kunstneren. I 1822 giftet han seg med Anna Nikitichna Sarkizova, den unge enken etter en Feodosia-kjøpmann. Anna Nikitichna var nesten 40 år yngre enn Aivazovsky, noe som ikke hindret henne i å bli en trofast venn og forståelsesfull samtalepartner. I Feodosia ble kunstneren hedret som «byens far». Han insisterte på bygging av en havn i Feodosia og bygging av en jernbane, reiste bygningen av et historisk og arkeologisk museum, grunnla et kunstgalleri og løste problemet med å forsyne byen med drikkevann. L. Lagorio, M. Latry, A. Fessler, K. Bogaevsky, M. Voloshin og andre gikk gjennom "General Art Workshops" åpnet av Aivazovsky (en slags Feodosia-gren av St. Petersburg Academy of Arts). I løpet av sitt lange liv foretok Aivazovsky en rekke turer: han besøkte Italia, Paris og andre europeiske byer flere ganger, jobbet i Kaukasus, seilte til kysten av Lilleasia, var i Egypt, og på slutten av livet, i 1898, foretok en lang reise til Amerika. Under sjøreiser beriket han sine observasjoner, og tegninger samlet seg i mappene hans. Men uansett hvor Aivazovsky var, var han alltid tiltrukket av sitt hjemlige Feodosia. "Min adresse er alltid i Feodosia," skrev han til P. Tretyakov. Med utviklingen av den realistiske skolen i russisk maleri ble de kreative posisjonene til Aivazovsky, som fortsatte å jobbe i romantikkens stil, noe rystet. Men hver gang de begynte å snakke for høyt om at Aivazovsky var utdatert, at han gjentok seg selv og utnyttet det samme settet med etablerte teknikker, viste kunstneren et nytt bilde som gjorde disse ryktene helt upassende. Slik var det også med hans mesterverk "Rainbow" (1873), "Black Sea" (1881), "Among the Waves" (1898) Aivazovskys liv forløp rolig i Feodosia, uten noen lyse hendelser. Om vinteren dro han vanligvis til St. Petersburg, hvor han arrangerte utstillinger av verkene sine. Personlige utstillinger, som ga Aivazovsky en betydelig inntekt, fulgte den ene etter den andre: når det gjelder deres totale antall (mer enn 120 utstillinger), er han den absolutte rekordholderen ikke bare innen innenlandsk, men kanskje i verdensmaleri. Solnedgangen til Ivan Aivazovsky var lys. "Lykken smilte til meg" - hvordan- 7

så bemerket han om livet sitt, fullt av arbeid og suksess. Aivazovsky døde hjemme - 19. april (2. mai, i henhold til en ny stil), 1900. I henhold til Aivazovskys testamente ble han gravlagt i Feodosia, på gårdsplassen til Surb Sargis-kirken, hvor han ble døpt og hvor han ble gift. Gravsteinsinskripsjonen - skåret i gamle armenske ord fra historikeren fra det 5. århundre Movses Khorenatsi - lyder: "Han ble født som en dødelig, han etterlot seg et udødelig minne." Dette minnet beholdes takknemlig av generasjoner. 2. Stil og teknikk til kunstneren De fleste av bildene av havet skapt av Aivazovsky er drømmer født av kunstnerens fantasi. Først i andre halvdel av livet forsøkte han å bringe sitt estetiske system i tråd med realismens krav3. Blant mesterne som påvirket dannelsen av Aivazovskys måte, bør tre utpekes - Claude Lorrain, Silverst Shchedrin og Karl Bryullov. Aivazovskys egen teknikk var basert på arbeid fra hukommelsen. Dette samsvarte også med hans romantiske ambisjoner, ønsket om å formidle i verkene hans naturens poesi, som han alltid følte akutt, og hans egne følelser som følger med den stille betraktningen av naturen. For dette var det nødvendig å ha et fenomenalt minne enn Aivazovskys 3Realisme i litteratur og kunst, en sannferdig, objektiv refleksjon av virkeligheten med spesifikke midler som ligger i en eller annen type kunstnerisk kreativitet. 8

var begavet fra fødselen. Dette ønsket ble diktert av kunstnerens "kursive skrift" - for å overføre en direkte følelse til lerretet, måtte han jobbe raskt og i store mengder, ellers ville den opprinnelige sjarmen forsvinne. Etter hvert dukket det opp mer presise formler for hans kunstneriske religion: «En maler som bare kopierer naturen blir hennes slave, bundet til hender og føtter. Bevegelsen av de levende elementene er unnvikende for børsten: skrivelyn, et vindkast, et bølgesprut er utenkelig fra naturens side. For å gjøre dette må kunstneren lære dem utenat ... Plottet til maleriene er formet i mitt minne, som en poet; etter å ha laget en skisse på et stykke papir, begynner jeg å jobbe og inntil da forlater jeg ikke lerretet før jeg uttrykker meg på det med en pensel ... "I samsvar med kravene til moderne realisme, som så kom til I forkant av russisk maleri moderniserte Aivazovsky skrivestilen uten å endre seg samtidig, til sine intime kunstneriske preferanser og forblir innenfor rammen av det veletablerte kunstneriske systemet som vi kaller Aivazovskys verden. Kunstneren dempet paletten merkbart, som tidligere overrasket med sin uhemmede lysstyrke og gjorde arbeidet hans unødvendig teatralsk. Han vendte seg til myke fargeforhold, subtile overganger, nesten monokromt maleri. Aivazovsky valgte spesifikt dystre dager for observasjon, da havet ikke glitrer med alle regnbuens farger, og grensen mellom vann og himmel går tapt i en grå dis og krever at kunstneren som maler den dyktig håndterer de fineste halvtonene. Emnet for arbeidet hans har også utvidet seg - sammen med de vanlige havlandskapene ved Aivazovsky begynte å virke "tørre reiser»-bilder. Alle verkene til Aivazovsky har en funksjon som gir dem en spesiell sjarm. Overalt - selv i de mest "rasende" bildene skapt av kunstneren, kan man se en uunnværlig lysstråle bryte gjennom bruddene i skyene. Denne detaljen var ekstremt viktig for kunstneren. I følge Aivazovskys samtidige begynte han å male hvert bilde fra himmelen og, uavhengig av størrelsen på lerretet, fullførte han denne delen i en økt. En oppmerksom seer vil ikke skjule det faktum at lufthavet, penetrert av sollys, interesserte Aivazovsky ikke mindre enn vann. Kunstnerens malerier kalles «sjølandskap», men det ville ikke være feil å kalle dem «himmelens landskap». Ivan Aivazovsky anså hans beste lerreter for å være de der hovedkraften er solens lys. For ham var det ingen hemmeligheter i hvordan man skriver, hvordan man formidler bevegelsen til en bølge, dens gjennomsiktighet, hvordan man skildre et lett, spredt nettverk av fallende skum på bølgenes svinger. Han visste perfekt hvordan han skulle formidle bølgenes bølger på sandstranden, slik at betrakteren kunne se kystsanden skinne gjennom det skummende vannet. Han kunne mange teknikker for å skildre bølger som bryter på kyststeinene. Til slutt forsto han dypt de forskjellige tilstandene i luftmiljøet, bevegelsen av skyer og skyer. Alt dette hjalp ham på en briljant måte å legemliggjøre hans 9

billedideer og skape lyse, kunstnerisk utførte verk. 3. Aivazovsky - en uovertruffen mester i sjølandskapet Stjerneboken var klar for ham Og havbølgen talte til ham 10

Aivazovskys romantiske verdensbilde ble spesielt tydelig manifestert i en serie viet til historien til den russiske marinen - i den skildret han alle de viktigste kampene til russiske sjømenn. Disse lerretene ble malt av kunstneren med dyktighet. Han var godt klar over innretningen og utformingen av krigsskip på grunn av hans deltakelse i manøvrene til den baltiske flåten i 1836, i landingsoperasjonen til M. Lazarev utenfor den kaukasiske kysten i 1839, i ekspedisjonen til admiral Litke til øyene i den greske skjærgården i 1845. Aivazovsky skapte en rekke utmerkede lerreter som skildrer sjøslag. Bildene av Aivazovskys sjøslag ble en kronikk over bedriftene til den russiske marinen, de gjenspeiler levende de historiske seirene til den russiske flåten, de legendariske bragdene til russiske sjømenn og sjøkommandører: "Peter I ved kysten av Finskebukta" (1846), "Chesme battle" (1848), "Navarinoboy" (1848), "Brig "Mercury" kjemper med to tyrkiske skip" (1892) og andre. Men ånden av episk heltemot blir ikke bare viftet av Aivazovskys kampmalerier. Hans beste romantiske verk fra andre halvdel av 40-50-tallet er: "Storm on the Black Sea" (1845), "St. George's Monastery" (1846), "Entrance to the Sevastopol Bay" (1851). På 1860-tallet utvidet Aivazovsky temaene for arbeidet sitt. Snu seg til "land"-tomtene. Dette trekket var ikke uventet. Det var på dette tidspunktet hans anklager om at han bare kunne male "bølger" ble vanlig, og kunstneren trengte å bevise at talentet hans var ganske universelt. Aivazovsky hadde et livlig, lydhørt sinn, og i arbeidet hans kan man finne malerier om en lang rekke emner. Flere ukrainske landskap kom ut under penselen hans: "Chumatsky Convoy" (1868), "Ukrainian Landscape" (1868), " Vindmøller i de ukrainske steppene ved solnedgang» (1862) og andre, som kommer nær landskapet til mestrene i russisk ideologisk realisme. Den ukrainske steppen har lenge fascinert Aivazovsky (siden hans første tur til St. Petersburg). Denne kjærligheten skinner gjennom i disse verkene. Aivazovskys nærhet til Gogol, Shevchenko, Sternberg spilte en rolle i denne tilknytningen til Ukraina. "Bryllup i Ukraina" (1891) - kanskje det mest kjente "land"-landskapet til Aivazovsky. Elementer av et sjangermaleri er åpenbare i det, og vitner om en viss etnografisk nysgjerrighet hos kunstneren. Men selv her viser det seg at "hverdagen" ikke er "hverdag" i det hele tatt - romantisk emosjonalitet skinner gjennom i skildringen av en landlig feiring som følger med bryllupet til de nygifte. Atmosfærens festlighet understrekes av de lyse punktene på klærne, i kontrast til tonene fra skyene før stormen, som svever tungt over landsbyen. I ukrainske landskap vil betrakteren oppdage de beste egenskapene som ligger i Aivazovskys havlandskap: virtuos perspektivbygging, åpenhet og sofistikering av paletten, romantisk spenning. Og likevel - disse bildene er klart dårligere enn bildene av sjøelementet skapt av ham. elleve

Aivazovskys maleri er for det meste maleri av stormer og stormer; sjøelementet i verkene hans syder og raser, ødelegger skip, reiser gigantiske bølger, bryter inn i et mylder av sprut. Kunstnerens malerier lyder nesten - de rasler med brenningene, klaffer med fillete seil, hyler med vill vind. Aivazovsky, som skrev stormer i flere tiår, i sine beste verk, som «Storm på ishavet» (1864) eller «Skips»-keiserinne Maria «(1892) – blir ikke ensformig. Hver storm av Aivazovsky har sitt eget ansikt, sitt eget bli, sine egne vaner. Angående et av disse maleriene av Aivazovsky F.M. Dostojevskij skrev: «Stormen ... til Mr. Aivazovsky ... er utrolig god, som alle stormene hans, og her er han en mester - uten rivaler ... Det er henrykkelse i stormen hans, det er den evige skjønnheten som forbløffer seeren i en levende, ekte storm ...” [ ; ] 1867 er assosiert med en stor begivenhet av stor sosial og politisk betydning - opprøret til innbyggerne på øya Kreta, som var i vasal besittelse av sultanen. Dette var den andre (i løpet av livet til Aivazovsky) oppgangen i frigjøringskampen til det greske folket, som forårsaket en bred sympatisk respons blant progressivt-sinnede mennesker rundt om i verden. Aivazovsky reagerte på denne hendelsen med en stor syklus av malerier. I 1868 foretok Aivazovsky en reise til Kaukasus. Han malte foten av Kaukasus med en perlekjede av snødekte fjell i horisonten, panoramaer av fjellkjeder som strekker seg i det fjerne som forsteinede bølger, Darial-juvet og landsbyen Gunib, fortapt blant de steinete fjellene, Shamils siste reir. . I Armenia malte han Sevansjøen og Araratdalen. Han skapte flere vakre malerier som skildrer Kaukasusfjellene fra østkysten av Svartehavet. Året etter, 1869, dro Aivazovsky til Egypt for å delta i åpningsseremonien til Suez-kanalen. Som et resultat av denne turen ble et panorama av kanalen malt og en rekke malerier ble laget som gjenspeiler naturen, livet og livet i Egypt, med sine pyramider, sfinkser, kamelkaravaner. I 1870, da femtiårsdagen for oppdagelsen av Antarktis av russiske navigatører F.F. Bellingshausen og M.P. Lazarev, Aivazovsky malte det første bildet som viser polar is - "Isfjellene i Antarktis". Dette bildet er et illustrerende eksempel på de "komponerte" verkene til kunstneren. I mellomtiden, i detaljer og detaljer, er han helt nøyaktig. Under arbeidet med det, husket mesteren historiene til admiral Lazarev, som han - under sin tjeneste som sjef for Svartehavsflåten - var venn med. Under feiringen av Aivazovsky i anledning femtiårsjubileet for arbeidet hans, P. P. Semenov-Tyan-Shansky sa i sin tale: "Det russiske geografiske samfunnet har lenge anerkjent deg, Ivan Konstantinovich, som en fremragende geografisk skikkelse ..." og faktisk kombinerer mange av Aivazovskys malerier kunstnerisk fortjeneste og stor kognitiv verdi. "Regnbue". Det er ingenting i handlingen til dette bildet - en storm på havet og et skip som synker nær en steinete kyst.

uvanlig for arbeidet til Aivazovsky. Men dens fargerike utvalg, pittoreske utførelse var et helt nytt fenomen i russisk maleri på syttitallet. Aivazovsky skildret denne stormen og viste det som om han selv var blant de rasende bølgene. En orkan blåser tåken av toppene deres. Som gjennom en brusende virvelvind er silhuetten av et synkende skip og de utydelige konturene av en steinete kyst knapt synlige. Skyene på himmelen løste seg opp i et gjennomsiktig vått likklede. Gjennom dette kaoset kom en strøm av sollys vei, la seg som en regnbue på vannet, og ga fargen på bildet en flerfarget farge. Hele bildet er skrevet i de fineste nyanser av blått, grønt, rosa og lilla. De samme tonene, litt forsterket i fargen, formidler selve regnbuen. Det flimrer med en knapt merkbar luftspeiling. Fra dette fikk regnbuen den gjennomsiktigheten, mykheten og renheten i farger, som alltid gleder og fortryller oss i naturen. Maleriet "Rainbow" var et nytt, høyere nivå i arbeidet til Aivazovsky. I arbeidet til Aivazovsky på syttitallet kan man spore utseendet til en rekke malerier som skildrer det åpne havet ved middagstid, malt i blå farger. Kombinasjonen av kalde blå, grønne, grå toner gir følelsen av en frisk bris, hever en munter dønning på havet, og sølvvingen til en seilbåt, som skummer en gjennomsiktig smaragdbølge, fremkaller ufrivillig Lermontovs poetiske bilde: Et ensomt seil blir hvit ... All skjønnheten til slike malerier ligger i krystallklarhet, den glitrende utstrålingen de utstråler. Ikke rart at denne syklusen av malerier kalles "blå Aivazovsky". "Ultimate" og "mystiske" naturtilstander har alltid tiltrukket seg romantikere - dette forklarer den enorme populariteten til "nocturnes" i arbeidet deres. Aivazovsky var intet unntak. Dessuten kan knapt noen måle seg med ham i skildringen av månelyse netter. Aivazovskys malerier er preget av den fineste fargeutviklingen og den nitidige konstruksjonen av komposisjonen. "Moonlit Night at the Sea", "Moonrise" - dette temaet går gjennom hele Aivazovskys arbeid. Effektene av måneskinn, månen selv, omgitt av lette gjennomsiktige skyer eller kikket gjennom skyer revet av vinden, var han i stand til å skildre med illusorisk nøyaktighet. Bildene av nattnaturen til Aivazovsky er et av de mest poetiske naturbildene i maleriet. Ofte vekker de poetiske og musikalske assosiasjoner. Aivazovsky var nær mange Wanderers. Det humanistiske innholdet i hans kunst og strålende håndverk ble høyt verdsatt av Kramskoy, Repin, Stasov og Tretyakov. I deres syn på kunstens sosiale betydning, hadde Aivazovsky og Vandrerne mye til felles. Lenge før organiseringen av vandreutstillinger begynte Aivazovsky å organisere utstillinger av maleriene sine i St. Petersburg, Moskva, så vel som i mange andre store byer i Russland. I 1880 åpnet Aivazovsky det første perifere kunstgalleriet i Russland i Feodosia. Under påvirkning av den avanserte russiske kunsten til Wanderers ble de realistiske trekkene til denne serien manifestert med spesiell kraft i arbeidet til Aivazovsky, 13.

gjorde verkene hans enda mer uttrykksfulle og meningsfulle. Tilsynelatende har det derfor blitt vanlig å betrakte Aivazovskys malerier fra syttitallet som den høyeste prestasjonen i hans arbeid. Nå for oss er det ganske klart prosessen med kontinuerlig vekst av hans ferdigheter og utdyping av innholdet i de pittoreske bildene av verkene hans, som fortsatte gjennom hele livet. 4. Berømte verk Aivazovsky var en usedvanlig produktiv kunstner, og malte over 6000 malerier i løpet av sin levetid. Brorparten faller på havlandskap, mer enn to tredjedeler - på bildet av stormer og stormer. Dette er et helt leksikon over havet. Til tross for nøyaktigheten av detaljer og realistisk autentisitet, malte kunstneren nesten aldri fra livet, laget ikke skisser til malerier og brukte svært sjelden forberedende skisser. Og det var ikke et innfall av et geni, men et prinsipielt standpunkt. 4.1. Slaget ved Chesma (1848) Aivazovsky, som i 1844 ble utnevnt til "maler av hovedsjøstaben", tok opp, i tillegg til utsikt over russiske nordlige havner, historisk kampmaleri. Seirene til russiske sjømenn gledet ham, han var så nær venn med den russiske flåten at da kunstneren i 1846 feiret tiårsjubileet for sin kreative aktivitet, en hel skvadron under kommando av V. Kornilov, den fremtidige helten i Sevastopol-forsvaret , kom til Feodosia for å hilse på ham. Det spektakulære bildet "Chesme Battle" forteller seeren om den viktigste episoden av den russisk-tyrkiske krigen 1768-1774. I juni 1770 låste den russiske forente skvadronen den tyrkiske flåten, som da ble ansett som en av de sterkeste i verden, i Chesme-bukten og ødela den natt til 26. juni nesten fullstendig. Tyrkerne mistet 10 tusen mennesker i dette slaget - bare 11. Kommandanten for flåten, grev A. Orlov, rapporterte denne "seieren" til Catherine II: "vi angrep fiendens flåte, beseiret, brøt den, brente den, lot den gå til himmelen, gjorde det til aske: begynte å være dominerende i hele skjærgården. Kontroll over Dardanellene ble etablert. Ønsket om lyseffekter avslører seg i måten kunstneren maler månen på, hvis kalde lys står i kontrast til den flammende gløden på vannet. Det tyrkiske skipet er avbildet på tidspunktet for eksplosjonen. Flammeglimt, røykpust, rusk som flyr oppover er skrevet så effektivt at det hele minner om en festlig belysning. En båt med en gruppe løytnant Ilyin nærmer seg flaggskipet til den russiske flåten, bare 14

som sprengte brannmuren hans - dette var navnet på spesielle "kamikaze"-skip fylt med brennbare eksplosiver. Tyrkiske sjømenn prøver å rømme på vraket av skipet. Den generelle "penheten" til gruppen peker på de "akademiske" (blant andre) kildene til Aivazovskys arbeid. 4.2. Rainbow (1873) Fra 1860-tallet kom Aivazovskys "improvisasjonsmessige" måte å skrive på, som ikke kopierte verden fra naturen, men så ut til å huske og til og med komponere den, i konflikt med de siste trendene innen moderne russisk maleri. Uttrykket for disse nye trendene var organiseringen ved årsskiftet 1860-70 av Association of Travelling Art Exhibitions. The Wanderers bekjente hard realisme, og foretrakk sosialt betydningsfulle verk fremfor romantisk agiterte lerreter. Samtidig snakket kritikere høyt om det faktum at Aivazovskys talent hadde tørket opp, han gjentok seg selv og kunne generelt ikke skrive annet enn bølger. Svaret på disse anklagene var maleriet «Regnbuen», som markerte et nytt stadium i kunstnerens arbeid. På den ene siden har vi et annet "forlis" av Aivazovsky. Men på den annen side er det slett ikke som hans tidligere «forlis» og «stormer». Uten å forlate sine egne prinsipper, i dette verket moderniserer han dem i stor grad - dette er spesielt merkbart i fargeskjemaet på lerretet. De tidligere «overdrevne» (etter kunstnerens egne ord) fargene viker for en mer behersket og samtidig mer subtilt utviklet fargeskala. Mindre "oppfinnelse", mer realisme - dette er en åpenbar kopi av materien i en dialog med moderniteten. Selv om romantisk spenning forblir et karakteristisk trekk ved dette verket. Aivazovsky skildret denne stormen og viste det som om han selv var blant de rasende bølgene. En orkanvind river av hvitt skum fra dem, og hever vannstøv i en kolonne. Som gjennom en brusende virvelvind er silhuetten av et synkende skip og de utydelige konturene av en steinete kyst knapt synlige. Det skråstilte skipet synker sakte ned i havets dyp. Tilsynelatende traff skipet skjærene nær kysten - dette var årsaken til forliset. Personene som rømte fra skipet frøs i forskjellige positurer i båten, malt i forgrunnen, som er lettere enn baksiden. En av dem løftet hånden og pekte på den glitrende regnbuen. Skyene på himmelen løste seg opp i et gjennomsiktig vått likklede. Gjennom dette kaoset kom en strøm av sollys vei, la seg som en regnbue på vannet, og ga fargen på bildet en flerfarget farge. En regnbue, gjennomsiktig og lett merkbart glødende mot en tordenværsbakgrunn, ser ut som en luftspeiling. Kunstneren oppnår denne effekten ved en dyktig kombinasjon av nyanser av forskjellige farger. Hele bildet er skrevet i de fineste nyanser av blått, grønt, rosa og lilla. Med de samme tonene, litt forsterket i fargen, 15

selve regnbuen. Det flimrer med en knapt merkbar luftspeiling. Fra dette fikk regnbuen den gjennomsiktigheten, mykheten og renheten i farger, som alltid gleder og fortryller oss i naturen. Maleriet "Rainbow" var et nytt, høyere nivå i arbeidet til Aivazovsky. 4.3. Svartehavet (1881) I 1881 skapte Aivazovsky et av de mest betydningsfulle verkene - maleriet "Svartehavet". Havet er avbildet på en overskyet dag; bølger, som oppstår i horisonten, beveger seg mot betrakteren, og skaper ved deres veksling en majestetisk rytme og sublim struktur i bildet. Den er skrevet i et gjerrig, behersket fargevalg som forsterker den emosjonelle innvirkningen. Ikke rart Kramskoy skrev om dette verket: "Dette er et av de mest grandiose maleriene jeg kjenner" [ ; ] Den dypeste metafysikken er skjult bak den ytre realismen til dette lerretet. "Hav" og "himmel" - dette er hans to hovedkarakterer. Handlingen er deres konfrontasjon og enhet. "Svartehavet" utmerker seg ved en slags ugjenkallelig rytme som tilsvarer verdens evige målte pust og ytre manifesterer seg i bølger som rytmisk erstatter hverandre. Kunstneren viste først bildet på kunstakademiets utstilling under en litt annen narrativ tittel – «En storm begynner å spille ut på Svartehavet». Senere utelukket han narrativ, forkortet tittelen til det presise og romslige «Svartehavet» og understreket dermed ønsket om å presentere i bildet et realistisk og samtidig ekstremt generalisert bilde av havelementet. Tunge skyer svever over himmelen og truer en storm i nærheten. Solen skinner gjennom hullene mellom dem. Silhuetten av et fjernt skip er det eneste tegnet på menneskelig tilstedeværelse i verden. Han virker - i sammenligning med den indre kraften til de avbildede elementene - engstelig og upålitelig. Horisontlinjen skiller og forbinder samtidig havet og himmelen til en helhet. Der, i det fjerne, virker havet rolig, i motsetning til bølgene, mer kraftfullt løpende inn i hverandre i forgrunnen. Toppene av de nærmeste bølgene er sterkt fremhevet. Disse lyse linjene, i parallelle rader, som går i det fjerne, setter rytmen til bildet, som ligner på en imponerende slitebane. I. Kramskoy var en stor fan av dette verket - han inkluderte det til og med i sitt eget berømte maleri "Utrøstelig sorg", plasser det bak heltinnens rygg og gjør det til et slags "speil" av hennes følelsesmessige opplevelser. "Aivazovsky har ting, fenomenale - for eksempel," Havet ". Dette er et av de mest grandiose maleriene jeg kjenner til.» Maleriet vitner om at Aivazovsky var i stand til å se og føle skjønnheten til sjøelementet nær ham, ikke bare i ytre billedeffekter, men også i den subtile strenge rytmen til henne puste, bemerket Kramskoy, 16

dens klart håndgripelige potensielle kraft. Stasov skrev om Aivazovsky mange ganger. Han var uenig i mange ting i arbeidet sitt. Han gjorde spesielt voldsomt opprør mot improvisasjonsmetoden til Aivazovsky, mot lettheten og hastigheten han skapte maleriene sine. Og likevel, da det var nødvendig å gi en generell, objektiv vurdering av Aivazovskys kunst, skrev han: "Marinemaleren Aivazovsky, av fødsel og av natur, var en helt eksepsjonell kunstner, levende følelse og uavhengig formidlet, kanskje, som ingen ellers i Europa, vann med sine ekstraordinære skjønnheter" [ ; ] 4.4. Blant bølgene (1898) Det er vanskelig, nesten umulig å tro at Aivazovsky var åttiandre på tidspunktet for opprettelsen av dette bildet. Ingenting her taler om tretthet i sjelen eller senil svakhet i hendene: den kraftige musikken i dette verket fortryller og fengsler betrakteren. Dette lerretet ble så å si den "andre serien" av det majestetiske bildet tatt av kunstneren i "Svartehavet". Der begynner en storm; her - det har allerede spilt ut. Et slikt, nesten monokromt, maleri av Aivazovsky virker slett ikke monotont – det ser ut til å gløde innenfra med et dypt indre lys. Det ser ut til at kunstneren så sitt kreative testamente i dette enorme lerretet - han viste det ikke på noen av utstillingene som ble organisert de siste to årene av sitt liv og testamenterte det til hjemlandet Feodosia. Når du ser på dette bildet, skapes en følelse av urkaos. Stigende bølger kolliderer med hverandre, bryter, faller, og løfter skyer av vannstøv. I dette arbeidet er det ingen "hvilepunkter" - alt er i konstant bevegelse. En solstråle, nesten en solskinnsstøtte, bryter sløret av blyskyer her, og lover en tidlig slutt på stormen. Aivazovsky var alltid ekstremt interessert i endringen i sjøelementets naturlige tilstander. Mellom skyene og det vekstende havet lå et smalt dypt gap - og det varsler også den forestående tilbaketrekningen av dårlig vær. Han forlot de vanlige detaljene i maleriene sine i form av fragmenter av master og døende skip tapt i det grenseløse havet. Han visste mange måter å dramatisere plottene til maleriene sine på, men ty ikke til noen av dem mens han jobbet med dette verket. Bildet er malt i flere nyanser av gråaktige og blågrønne farger - en slik koloristisk gjerrighet, karakteristisk for avdøde Aivazovsky, gir verkene hans fra denne perioden en spesiell sjarm. Mestringen av maleriet "Blant bølgene" er frukten av et langt og hardt arbeid i hele kunstnerens liv. Arbeidet med det gikk raskt og enkelt. Lydig til kunstnerens hånd, skulpturerte børsten nøyaktig den formen mesteren ønsket, og la malingen på lerretet på den måten som opplevelsen av dyktighet og intuisjonen til en stor kunstner, som ikke korrigerte det en gang satt penselstrøket , spurte ham. Tilsynelatende var Aivazovsky selv klar over at maleriet "Blant bølgene" var mye høyere i utførelsen av alle tidligere verk.

senere år. Til tross for at han etter opprettelsen arbeidet i ytterligere to år, arrangerte utstillinger av verkene sine i Moskva, London og St. Petersburg, tok han ikke dette maleriet ut av Feodosia, han testamenterte det, sammen med andre verk som var i hans kunstgalleri, til hjembyen Feodosia. Derfor, uansett hvilken periode av Aivazovskys aktivitet vi tyr til, vil vi overalt finne lerreter med eksepsjonell kraft, fylt med ekte inspirasjon: "The Ninth Wave" (1850), "The Sea" (1864), "Rainbow" (1873) , "Black Sea" (1881), "Among the Waves" (1898) og mange andre. De er den varige verdien av arven hans. 5. Den niende bølgen - et mesterverk av russisk kunst I Russland er dette et av de mest elskede verkene innen russisk kunst, replikert i millioner av kopier av reproduksjoner. Dessuten kom enorm popularitet til ham umiddelbart etter 18-årsalderen

det første showet for allmennheten, holdt på høsten. 1850 ved Moskva-skolen for maleri, skulptur og arkitektur. Strømmen av mennesker som ville se på «Ninth Wave» tørket ikke ut, mange gikk for å se den flere ganger. Dette minnet litt om pilegrimsreisen til «Pompeii siste dag» av K. Bryullov som skjedde seksten år tidligere. Det er ikke tilfeldig at Bryullov er spilt inn som Aivazovskys direkte lærer, selv om sistnevnte deltok på en helt annen workshop ved akademiet. Dette mesterverket har mye til felles med Bryullovs "Pompeii" - begge disse maleriene var den høyeste blomstringen av romantikk i russisk kunst. Snart kom andre tider da de "fatale lidenskapene" sluttet å være populære, og ga vei for "livets sannhet". Aivazovsky fikk mye av den siste kritikken, men til og med apologeten V. Stasov innrømmet alltid at "marinemaleren Aivazovsky var en helt eksepsjonell kunstner av fødsel og av natur." Hvis vi snakker om Aivazovskys arbeid generelt, i maleriene hans malt i ulike perioder livet, kan trekk av romantikk og realisme spores. Romantiske trekk var spesielt uttalt i maleriet "Den niende bølgen". Aivazovsky avbildet en tidlig morgen etter en stormfull natt. De første solstrålene lyser opp det rasende havet og en enorm niende bølge, klar til å falle på en gruppe mennesker som søker frelse på vraket av mastene. Toppen av den niende bølgen hever seg truende over menneskene som prøver å rømme på vraket av skipet. I følge gammel maritim tro. I bølgene som følger etter hverandre under en storm, blir hver niende den kraftigste og mest forferdelige - derav navnet på bildet. Som i de fleste av Aivazovskys "stormfulle" bilder, er solen til stede - den bryter hardnakket sløret av skyer og vannstøv, og lover en klar dag og en reddende pasifisering av elementene. Og her angrer ikke den romantiske Aivazovsky på fargene. De overlevende fra den stormfulle natten kjemper desperat mot elementene. Og selv om den niende bølgen henger over dem og truer dem med døden, er lerretet mer "vakkert" enn "tragisk" - og dette høres igjen ut som et tydelig ekko av akademiskisme. Bølget vann glitrer og reflekterer solstrålene. Forfatteren, som raskt brukte strøk (og Aivazovsky skrev "Den niende bølgen på elleve dager, uten å endre regelen hans for improvisasjon av "kursiv skrift"), som om han beundret skapelsen hans - betrakteren som føler dette, tror enda mindre på tragedien i plot presentert. Aivazovsky skriver mesterlig inn det rasende skummet fra den niende bølgen. Hvis vi deler hele bildet i ni like fragmenter med fire linjer (to horisontale og to vertikale), vil toppen av den niende akselen falle i skjæringspunktet mellom venstre vertikale og nedre horisontale linjer. En så tydelig konstruksjon av komposisjonen vitner om de vellærte "akademiske" leksjonene. Aivazovsky fant det eksakte middelet til å skildre storheten, kraften og skjønnheten til havet. Til tross for dramatikken i handlingen, etterlater ikke bildet et dystert inntrykk; tvert imot, den er full av lys og luft og alle 19

penetrert av solens stråler, noe som gir den en optimistisk karakter. Dette forenkles i stor grad av fargestrukturen i bildet. Det er skrevet i de lyseste fargene på paletten. Fargen inkluderer et bredt spekter av nyanser av gult, oransje, rosa og lilla på himmelen, kombinert med grønt, blått og lilla i vannet. Den lyse, store fargerike skalaen i bildet høres ut som en gledelig hymne til motet til mennesker som beseirer de blinde kreftene til et forferdelig, men vakkert element i sin formidable storhet. Dette bildet fant en bred respons på det tidspunktet det dukket opp og er fortsatt til i dag et av de mest populære i russisk maleri. Bildet av de rasende havelementene begeistret fantasien til mange russiske poeter. Dette gjenspeiles tydelig i versene til Baratynsky. Kampvilje og tro på den endelige seier lyder i diktene hans: Så nå, hav, lengter jeg etter dine stormer - Gled deg, reis deg på steinkanter, Han morer meg, ditt formidable, ville brøl, Som ropet til en lang- ønsket kamp, Som en mektig fiende for meg noe smigrende sinne ... På denne måten kom havet også inn i den dannede bevisstheten til den unge Aivazovsky. Kunstneren klarte å legemliggjøre følelsene og tankene som agiterte de progressive menneskene i sin tid i marint maleri, og gi en dyp mening og betydning til kunsten hans. tjue

6. Grafiske verk av Ivan Aivazovsky Når vi snakker om Aivazovskys arbeid, kan man ikke unngå å dvele ved den store grafiske arven etter mesteren, fordi tegningene hans er av stor interesse, både fra siden av deres kunstneriske utførelse, og for å forstå kunstnerens kreative metode. Aivazovsky malte alltid mye og villig. Blant blyanttegninger, arbeider som dateres tilbake til førtitallet, på tidspunktet for hans akademiske reise i 1840-1844 og seilte utenfor kysten av Lilleasia og øygruppen sommeren 1845, skiller seg ut for sin modne dyktighet. Tegningene av denne poren er harmoniske når det gjelder komposisjonsfordelingen av masser og utmerker seg ved en streng utdyping av detaljer. Den store størrelsen på arket og den grafiske fullstendigheten taler om den store betydningen som Aivazovsky la til tegninger laget fra naturen. Dette var stort sett bilder av kystbyer. Med skarp hard grafitt malte Aivazovsky bybygninger som klamrer seg til fjellhyller, trekker seg tilbake i det fjerne, eller individuelle bygninger han likte, inkludert dem i landskap. Ved å bruke de enkleste grafiske virkemidlene - en linje, nesten uten å bruke chiaroscuro, oppnådde han de fineste effektene og nøyaktig overføring av volum og rom. Tegningene han laget under sine reiser hjalp ham alltid i hans kreative arbeid. I ungdommen brukte han ofte tegninger for å komponere malerier uten endringer. Senere behandlet han dem fritt, og ofte tjente de ham bare som den første drivkraften for implementeringen av kreative ideer. Den andre halvdelen av Aivazovskys liv inkluderer et stort antall tegninger laget på en fri, bred måte. I den siste perioden av sitt kreative arbeid, da Aivazovsky laget skisser av reisene sine, begynte han å tegne fritt, og reproduserte med en linje alle formens kurver, og rørte ofte knapt papiret med en myk blyant. Tegningene hans, etter å ha mistet sin tidligere grafiske stringens og distinkthet, fikk nye billedkvaliteter. Etter hvert som Aivazovskys kreative metode krystalliserte seg og enorme kreative erfaringer og ferdigheter akkumulerte, skjedde det et merkbart skifte i kunstnerens arbeid, som påvirket hans forberedende tegninger. Nå lager han en skisse av det fremtidige arbeidet fra fantasien, og ikke fra en naturlig tegning, slik han gjorde i den tidlige kreativitetens periode. Ikke alltid, selvfølgelig, var Aivazovsky umiddelbart fornøyd med løsningen som ble funnet i skissen. Det er tre versjoner av skissen til hans siste maleri "Eksplosjon av skipet". Han strebet etter den beste komposisjonsløsningen selv i tegneformatet: to tegninger ble laget i et horisontalt rektangel og en i et vertikalt. Alle tre er laget med et overfladisk slag, som formidler sammensetningens skjema. Slike tegninger illustrerer, som det var, ordene til Aivazovsky relatert til metoden for arbeidet hans: "Etter å ha skissert planen til bildet jeg unnfanget med en blyant på et stykke papir, satte jeg i gang og så å si gi meg til det av hele mitt hjerte» [ ; ]. 21

For grafiske arbeider brukte Aivazovsky en rekke materialer og teknikker. Sekstitallet inkluderer en rekke fint malte akvareller laget i én farge – sepia. Ved å bruke vanligvis en lett fylling av himmelen med svært fortynnet maling, knapt skisserte skyene, litt berøring av vannet, la Aivazovsky ut forgrunnen bredt, i en mørk tone, malte fjellene i bakgrunnen og malte en båt eller et skip på vannet i en dyp sepia-tone. Med så enkle midler formidlet han noen ganger all sjarmen til en lys solrik dag på havet, rullen av en gjennomsiktig bølge på kysten, utstrålingen av lette skyer over dyphavsavstanden. Når det gjelder høyden av dyktighet og subtilitet i den overførte naturtilstanden, går slik sepia av Aivazovsky langt utover den vanlige ideen om akvarellskisser. I 1860 malte Aivazovsky denne typen vakre sepia4 "Havet etter stormen." Tilsynelatende var Aivazovsky fornøyd med denne akvarellen5, siden han sendte den som en gave til P.M. Tretjakov. Aivazovsky brukte mye bestrøket papir, og tegnet som han oppnådde virtuose ferdigheter. Disse tegningene inkluderer "The Tempest", laget i 1855. Tegningen er laget på papir, tonet i øvre del med varm rosa, og i nedre del med stålgrå. Med forskjellige metoder for å skrape det fargede krittlaget, formidlet Aivazovsky godt skummet på bølgetoppene og gjenskinnet på vannet. en idé om hans arbeid og hans særegne arbeidsmetode. Aivazovskys grafikk beriker og utvider vår vanlige 4Sepia - (fra gresk. sepia - blekksprut), 1) lysebrun maling fra blekkposen til en havbløtdyr (sepia). Brukt av europeiske artister fra ser. 18. århundre når du tegner med penn og pensel. På 1900-tallet erstattet av kunstige fargestoffer som akvareller. 5Akvarell (fransk ord - aquarelle, italiensk ord - acquerello, latinsk ord - aqua - vann), maling fortynnet med vann, samt maling med disse malingene. 22

Konklusjon Havet... Ingen skildret dets grenseløse avstand og lysende soloppganger, hekseri av månelyse netter og stormenes formidable raseri så poetisk og med inspirasjon som Aivazovsky. I generasjoners hode var og forblir han en uforlignelig havets sanger, en helt unik artist. "Havet er mitt liv," sa mesteren. Aivazovskys arbeid uttrykte ikke bare hans egen sjel, hans følelser, stemninger, men også menneskets evige kjærlighet til det grenseløse vannelementet. Lidenskapelig til guddommeliggjøring, kunstnerens kjærlighet til havet, evnen til utrolig levende å formidle pusten og spenningen hans - dette er kilden til den noen ganger uforståelige, men attraktive kraften som Aivazovskys malerier besitter. Men dette er selvfølgelig ikke begrenset til deres verdighet. Det viktigste i kunsten til den store marinemaleren er fantastisk dyktighet. Det tillot ham å løse enhver billedoppgave med overraskende letthet, for å oppnå en spesiell fargelyd i overføringen av det livlige spillet til det kalde og harde vannelementet eller den varme, ustødige atmosfæren av gigantiske luftmasser som grenser til vann som varmes opp av solen. Naturligvis, for håndgripelig, skildret han myriader av sprut hevet av en sterk vind, og gjennomsiktige havdyp. Den enestående suksessen til den unge kunstneren i Italia, Frankrike, Holland, England på 1840-tallet var ikke tilfeldig - denne suksessen skyldtes den dype emosjonaliteten, romantiske spiritualiteten til kunsten hans. Eugene Delacroix, lederen av fransk romantisk maleri, snakket om Aivazovsky med høy respekt, og den berømte engelske marinemaleren William Turner dedikerte dikt til ham og kalte ham et geni. I våre anspente og engstelige dager, når jorden - menneskets vugge - ikke lenger virker som et skyfritt paradis, og genuin kultur presser på beskyttelse, er kunsten til en av de originale skjønnhetssangere, den store humanisten, fylt med nye mening og betydning 23

Ivan (Hovhannes) Aivazovsky. Aivazovsky fikk verdensomspennende berømmelse som en representant for russisk kunst. Siden 1840-tallet har mer enn 120 av hans separatutstillinger blitt holdt i byene i Europa og Amerika, som var en stor suksess. Russisk kunst var i ferd med å bli viden kjent, og Aivazovskys rolle her er virkelig uvurderlig. Han inntok en veldig spesiell plass i kunsten på 1800-tallet, og han, en armener av fødsel, var og er fortsatt en av de mest populære russiske kunstnerne. Referanser 1 Aivazovsky Ivan Konstantinovich. - M., 1965; 2 Dolgopolov I. Mestere og mesterverk. - M., 1987; 3 Ionina N.I. "Hundre flotte bilder" - Veche, 2002; 4 Populær kunstleksikon. - M., 1986. 5 Aivazovsky / Mesterverk av russisk maleri nr. 2, 2010 6 Internettressurser: http://aivazovsky.narod.ru/ http://ru.wikipedia.org/ 24

Vedlegg 25

Vedlegg 1 26

Isfjell i Antarktis Vedlegg 2 27

lysbilde 2

Litteratur og kunst fra XIX århundre. Romantikk Pushkin - "dyret til rene muser" A.S. Pushkin og I.K. Aivazovsky. "The Fiery Poet of the Sea" Arven etter den store marinemaleren

lysbilde 3

(fr. romantisme) - et fenomen av europeisk kultur i XVIII-XIX århundrer. Romantikken erstatter opplysningstiden. Det er preget av påstanden om den iboende verdien av det åndelige og kreative livet til individet, bildet av sterke (ofte opprørske) lidenskaper og karakterer, spiritualisert og helbredende natur. På 1700-tallet ble alt som var rart, fantastisk, pittoresk og som fantes i bøker, og ikke i virkeligheten, kalt romantisk. På begynnelsen av 1800-tallet ble romantikken betegnelsen på en ny retning, motsatt av klassisismen og opplysningstiden. Romantikk Fullstendig frihet til kunstnerisk kreativitet

lysbilde 4

A. Tyranov. Portrett av I. Aivazovsky 1841 Tretyakov GalleryV. Tropinin. Portrett av A.S. Pushkin 1827 Pushkin State Museum, St. Petersburg

lysbilde 5

Pushkin ved Pushkins farvel fra Svartehavskysten ved Svartehavet Bekjentskap med Pushkin gjorde et uutslettelig inntrykk på den unge Aivazovsky. "Siden den gang har dikteren jeg allerede elsket blitt gjenstand for mine tanker, inspirasjon og lange samtaler, historier om ham," husket kunstneren. Aivazovsky tilbad talentet til den største russiske poeten hele livet, og dedikerte en hel syklus med malerier til ham senere, på 1880-tallet. I dem kombinerte han havets poesi med bildet av dikteren.

lysbilde 6

Lysbilde 7

Lord of the Sea Portrett av I.K. Aivazovsky av S.A. Rymarenko (1846) Det er en oppfatning at poeten og kunstneren var noe like. Aivazovsky skrev rundt 6 tusen malerier, tegninger og skisser. Blant dem er de mest kjente: "Den niende bølgen" (1850), "Svartehavet" (1881) - gjenskaper storheten og kraften til sjøelementet, bildet av sjøslag - "Slaget ved Navarra", " Slaget ved Chesme" (begge - 1848), en serie malerier "Defense of Sevastopol" (1859).

Lysbilde 8

MARINISME. (italiensk marina, fra lat. marinus - hav) - et maleri eller grafikk som viser en havutsikt, en scene av et havslag eller andre hendelser som finner sted på havet. Kunstnere som skildrer havet kalles MARINISTER

Lysbilde 9

"Sjøbrennende poet"

"Havet er mitt liv," sa Aivazovsky. Hans arbeid er et slags marin leksikon. Fra det kan du lære i detalj om enhver tilstand der vannelementet er: rolig og lett spenning, og en storm og en storm som gir inntrykk av en universell katastrofe - her kan du se det, dette elementet, når som helst på dagen - fra strålende soloppganger til magiske månelysnetter - og når som helst på året kan du telle dusinvis av nyanser som farger havet bølger - fra gjennomsiktig, nesten fargeløs gjennom alle tenkelige nyanser av blått, blått, asurblått til tykt svarthet.

Lysbilde 10

Ai Arbeidet ble utført av Markelova I.I. MOU-SOSH med. Kneet til Yekaterinovsky-distriktet Innhold Litteratur og kunst fra 1800-tallet. Romantikk Pushkin - "dyret til rene muser" A.S. Pushkin og I.K. Aivazovsky. "The Fiery Poet of the Sea" Arven etter den store marinemaleren (fr. romantisme) er et fenomen i europeisk kultur på 1700-1800-tallet. Romantikken erstatter opplysningstiden. Det er preget av påstanden om den iboende verdien av det åndelige og kreative livet til individet, bildet av sterke (ofte opprørske) lidenskaper og karakterer, spiritualisert og helbredende natur. På 1700-tallet ble alt som var rart, fantastisk, pittoresk og som fantes i bøker, og ikke i virkeligheten, kalt romantisk. På begynnelsen av 1800-tallet ble romantikken betegnelsen på en ny retning, motsatt av klassisismen og opplysningstiden. A. Tyranov. Portrett av I. Aivazovsky 1841 Tretyakov Gallery V. Tropinin. Portrett av A.S. Pushkin 1827 Pushkin State Museum, St. Petersburg Svartehavet Pushkins farvel til Svartehavet Bekjentskap med Pushkin gjorde et uutslettelig inntrykk på den unge Aivazovsky. "Siden den gang har dikteren jeg allerede elsket blitt gjenstand for mine tanker, inspirasjon og lange samtaler, historier om ham," husket kunstneren. Aivazovsky tilbad talentet til den største russiske poeten hele livet, og dedikerte en hel syklus med malerier til ham senere, på 1880-tallet. I dem kombinerte han havets poesi med bildet av dikteren. Sammen med I. Repin i 1877 skapte Aivazovsky det berømte maleriet «Pushkins farvel til havet. Nøyaktig ti år senere, i året for femtiårsjubileet for A. S. Pushkins død, malte Aivazovsky i 1887 maleriet "Pushkin på Svartehavet." Og den tredje appellen til temaet "Pushkin and the Sea" finner sted hos Aivazovsky, nøyaktig ti år senere (tre år før hans død) i 1897. Han kaller bildet det samme – «Pushkin på Svartehavet». Hun har også et andrenavn - "Farvel, gratis element ...". Pushkins kvad er skrevet direkte på lerretet. Er det ikke symbolsk å skrive «Farvel» til det frie elementet tre år før døden. Kunstneren tok liksom selv farvel med havet! I skikkelse av en dikter på bildet tegner Aivazovsky utvilsomt sine ungdommelige trekk. Lord of the Sea Portrett av I.K. Aivazovsky av S.A. Rymarenko (1846) Det er en oppfatning at dikteren og kunstneren var noe like. Aivazovsky skrev rundt 6 tusen malerier, tegninger og skisser. Blant dem er de mest kjente: "Den niende bølgen" (1850), "Svartehavet" (1881) - gjenskaper storheten og kraften til sjøelementet, bildet av sjøslag - "Slaget ved Navarra", " Slaget ved Chesme" (begge - 1848), en serie malerier "Defense of Sevastopol" (1859). MARINISME. (italiensk marina, fra lat. marinus - hav) - et maleri eller grafikk som viser en havutsikt, en scene av et havslag eller andre hendelser som finner sted på havet. Kunstnere som skildrer havet kalles MARINE KUNSTNERE "Havet er en brennende poet" "Havet er mitt liv," sa Aivazovsky. Hans arbeid er en slags marin leksikon. Fra det kan du lære i detalj om enhver tilstand der vannet element er: og rolig, og liten spenning, og en storm, og en storm som gir inntrykk av en universell katastrofe - her kan du se det, dette elementet, når som helst på dagen - fra lysende soloppganger til magiske månelysnetter - og når som helst på året telle dusinvis av nyanser som farger havbølgene - fra gjennomsiktige, nesten fargeløse gjennom alle tenkelige nyanser av blått, blått, asurblått til dyp svarthet. Aivazovskys natthavner er unike. "Måneskinnsnatt på havet", "Moonrise" - dette temaet går gjennom hele Aivazovskys arbeid. Månen, omgitt av lette gjennomsiktige skyer eller kikket gjennom skyer revet av vinden, visste han hvordan han skulle skildre med illusorisk nøyaktighet.Bilder av nattnaturen til Aivazovsky er en av de mest poetiske x bilder av naturen i maleri. Ofte vekker de poetiske og musikalske assosiasjoner. Seilbåt utenfor kysten av Krim på en måneskinn natt. 1858 Storm på havet 1880 Poseidons reise til sjøs. 1894. Svartehavet 1881. Blant hans beste kreasjoner er maleriet "Svartehavet", skrevet i 1881. I. N. Kramskoy skrev om henne: "Det er ingenting i bildet bortsett fra himmelen og vannet, men vann er et uendelig hav, ikke stormfullt, men svaiende, alvorlig, uendelig, og himmelen, om mulig, enda mer uendelig. Dette er et av de flotteste maleriene jeg vet om." The Ninth Wave 1850. "The Ninth Wave" er en typisk romantisk motsetning mellom "Man" og "Elements". Sistnevnte er forferdelig med sin urimelige kraft, men samtidig er den vakker. Temaene for havet okkuperte malerne på 1800-tallet. Romantikerne skildrer det innerste livet i menneskehjertet, dets opprørske følelser og lidenskapelige impulser, og søkte også i naturen etter grandiose bilder der den intense følelsesmessigheten til den romantiske helten kunne finne et svar. Det stormfulle havet har blitt et yndet motiv i det romantiske landskapet. Aivazovsky er unektelig den sentrale figuren og den største mester i sjølandskapet i russisk kunst på 1800-tallet.

Det kan være nyttig å lese: